壊したさきに、美をみてしまったから

長谷川彰良（はせがわあきら）は、ふるい服を集めている。

コレクターとはちょっとちがう。
美しいアンティーク品をただ眺めているわけではない。

彼が見つめているのは、表に現れた刺繍や絹の光沢だけではなく、その奥に隠された縫い目であり、補強の芯地であり、何度もほどかれ、縫い直された痕跡である。

華やかな衣服の内部には、名もなき職人たちの手がある。

針を運んだ人。
布を裁った人。
身体に沿わせかたちを整えた人。
傷んだ箇所を繕い、次の世代へ渡した人。

歴史書には記録されなかった彼らの仕事が、衣服の裏側には残っている。

長谷川は、その声を聞こうとしている。

彼が研究するのは、主に18世紀から19世紀の衣服である。

王侯貴族のために仕立てられた豪華なドレスもあれば、無名の人々が身につけた質素な下着もある。

社会的な価値は、まったく異なる。

高価な絹のドレスは美術館に収蔵される。
一方、粗末な麻の衣服は、歴史の中から消えていく。

しかし、衣服の構造を見れば、そこに単純な上下関係はない。

豪華なローブ・ア・ラ・フランセーズも、使い古されたシュミーズも、限られた布を無駄にせず、人の身体を包むために、驚くほど合理的につくられている。

階級は違っても、布と身体に向き合う知恵は共通している。

長谷川は、そこに「服飾史」という言葉だけでは捉えきれない、人間の営みを見る。

衣服の歴史は、しばしば外見によって語られてきた。

シルエット。
色彩。
流行。
王妃や貴婦人の肖像画。

だが、外見だけでは、衣服がなぜそのかたちになったのかは分からない。

なぜ、この場所に切り替え線があるのか。
なぜ、ここだけ縫い代が広いのか。
なぜ、同じ布が別の場所から移されているのか。
なぜ、左右で構造が異なっているのか。

それらは、実物を手に取り、内側を観察しなければ見えてこない。

長谷川は、衣服を「作品」として鑑賞するだけでなく、「標本」として読み解く方法を選んだ。

動物の骨格を調べるように。
植物の断面を観察するように。
建築物の構造を確かめるように。

衣服を分解し、型紙を採り、縫製を再現し、実際に着用する。
そして、平面の布が立体的な身体へと変わる仕組みを解き明かしていく。

彼が名乗る「衣服標本家」という肩書きは、既存の職業名から選んだものではない。
自らの活動を説明するために必要となった、新しい名前である。

研究を続けるうち、長谷川のもとには、数百点の歴史的な衣服が集まった。

だが、衣服は所蔵されているだけでは、十分に語ることができない。

箱の中に収められ、ガラスケースの向こう側に置かれているだけでは、布の重さも、縫い目の細かさも、身体に沿って形が変わる感覚も伝わらない。

そこで彼は、「半・分解展」を始めた。

文字通り、半分だけを分解する展示。

壊すためではない。
つくり方を見えるようにするためである。

表層の完成された姿と、内部の構造を同時に見せる。
さらに、来場者が展示品に触れられる環境をつくった。

美術館では、作品に触れることはできない。
しかし長谷川は、触れることでしか知り得ない感動があると考えた。

布の厚みや重さは想像を超えてくる。
ミシンではない手縫いの不均一に温度を感じるかもしれない。
何百年という時間を経た繊維の感触は、現代衣服とはあまりにかけ離れたものである。

触れた瞬間、歴史は知識ではなく、身体の記憶になる。

半・分解展は、ふるい服を並べた展覧会ではない。
現代に生きる人と、過去に服を作った人とを、衣服を介して出会わせる場所である。

長谷川の仕事には、ひとつの矛盾がある。

歴史的な衣服を守ろうとすれば、触らせない方がよい。
未来に残そうとすれば、箱にしまっておく方が安全である。

それでも彼は、衣服を開き、人に見せ、触れられる場所をつくる。

なぜなら、物は保存されるだけでは、生き残ったとは言えないからだ。

そこに込められた技術が理解され、
誰かの記憶に残り、
新しいものづくりへと受け渡されて、初めて文化は続いていく。

彼が残そうとしているのは、ふるい衣服そのものだけではない。

「なぜ、美しいのか」

そして、美しさの理由を残すために、彼は分解を厭わない。

長谷川は、歴史的な衣服の型紙を制作している。

型紙は、衣服のかたちを写し取っただけの輪郭ではない。
そこに記録されるのは、表からは見えない構造である。
完成した衣服を見ただけでは分からない思考が、型紙の上には現れる。

長谷川にとって型紙は、研究の副産物ではない。
実物から読み取った知恵を、もう一度誰かの手に渡すための記録である。

型紙を受け取った人は、布を裁ち、縫い合わせる。

すると、平面だった線が立ち上がり、かつて存在した造形が目の前に現れる。

見るだけでは、読むだけでは分からなかったことが、つくることで分かる。

そして袖を通して動いたときに、なぜそこに布が必要だったのか、なぜその角度で縫われていたのかを、身体が理解する。

長谷川がつくる型紙は、過去の衣服をそのまま複製するための設計図ではない。
過去のつくり手が見ていたものを、現代のつくり手が追体験するための入口なのである。

長谷川の活動の根底には、ひとつの願いがある。

「100年前の感動を、100年後に残したい」

衣服は弱い。

光で色褪せる。
湿気で傷む。
虫に食われる。
着用すれば破れる。
保存していても、少しずつ失われていく。

しかし、衣服から受け取った感動は、人から人へ渡すことができる。

展示として。
写真として。
映像として。
文章として。
型紙として。
新しく仕立てられた一着として。

一枚のふるい布に触れた人が、その構造に驚き、ものづくりを始める。

その人が作った服を見て、さらに別の誰かが心を動かされる。

そうして、過去の感動は形を変えながら未来へ進んでいく。

衣服標本家・長谷川彰良の物語は、完成していない。

彼は今も、ふるい衣服の縫い目を追っている。

そこに残された小さな痕跡から、かつてのつくり手の思考を読み取ろうとしている。

そして、その発見を自分のなかだけに留めず、展覧会を開き、書籍にまとめ、型紙を引き、映像を撮り、人々へ手渡している。

歴史を保存する人はいる。
歴史を研究する人もいる。
ものを作る人もいる。

長谷川は、そのすべてを一つにつなごうとしている。

彼が集めているのは感動だった。

時代を越えて受け渡されてきた、人間の情熱と知恵と苦しみである。

そして彼自身もまた、その長い受け渡しの途中に立つ、一人のつくり手なのである。

今回のブログは、諸事情によりボツとなってしまったインタビュー文章を了承を得て掲載しています。（写真はこちらで撮ったもの）

ある程度の時間を割いてお話したこと（をまとめてもらった）なので、ここで供養することにします...
掲載の了承は得ています（大事なことなので二回目）

前にも同じことがあったので、それも一緒に下記にまとめます。
こっちはQ&Aでした。

以上です。

SNSを追ってくれている方は、すでにご存じかもしれませんが『ジェントルマン・スタイル』展を開催します。

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それぞれ詳細をまとめています。
半・分解展の原点。それが紳士服。

ジェントルマン・スタイル展でお待ちしております。